By Paco Villalpando
2013 was a very strange yet complete year for me, I travelled, had tough and failed relationships, new friends, professional successes, and medical complications, so the music I heard all year was varying according to my mood. To put my list of favorite albums of 2013 in order would be impossible as each one of them has lots to offer. Here are my 10 favorite albums of 2013.
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Por Paco Villalpando
2013 fue un año muy raro y completo para mí, donde viví de todo, conocí muchos lugares, relaciones fallidas, nuevos amigos, éxitos laborales, y complicaciones médicas, por lo que la música que escuché en todo el año fue variando según mi humor. Ordenar mis 10 discos favoritos del año sería imposible pues cada uno tiene mucho de lo suyo. Les dejo mis 10 discos favoritos de 2013.
The National - Trouble Will Find Me
What for many was just “a new record" by The National, for me one of the best albums of the year. In a time when the indie scene is heavily influenced by electronic music and pop , comes "a new record" of this melancholic band from Brooklyn, NY, maintaining its essence. On their sixth album, The National returned hogging media attention, having been long considered as the eternal underdog.
In its first week, Trouble Will Find Me topped the charts, managing to be in third place in the United States, Canada and the UK and selling almost 73,000 copies in the U.S. alone.
Trouble Will Find Me is full of emotions tied to fear of loss, whether it is loss of love, security or purpose in life. It's an album which as it happened with all albums by The National, the more I listened to it, the more I discovered the meaning of each of their songs and I can relate to my own experiences.
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Lo que para muchos fue “un disco más” de The National, es para mí uno de los mejores discos del año. En una época en la que la escena indie se ve muy influenciada por la música electrónica y el pop, llega “un disco más” de esta banda melancólica de Brooklyn, NY, manteniendo su esencia. En su sexto disco, The National llega acaparando la atención de los medios, tras haber sido considerado durante mucho tiempo como una banda pequeña, de relleno en muchos festivales.
En su primera semana encabezó las listas de popularidad, llegando a estar en el tercer lugar en Estados Unidos, Canadá y el Reino Unido y vendiendo casi 73,000 copias en Estados Unidos solamente.
Trouble Will Find Me es un disco lleno de emociones ligadas al miedo a la pérdida, ya sea de amor, seguridad o del propósito en la vida. Es un disco, que como me ha pasado con todos los discos de The National, mientras más lo escucho, más voy descubriendo el significado de cada una de sus canciones y lo puedo relacionar con mis propias vivencias.
Jon Hopkins - Immunity
The first time I listened to Immunity was in September on my way to a small town in the forest about an hour from Mexico City. The album was described by a friend as "elegant electronic music", which I thought was absolutely right. Jon Hopkins, who had previously worked as keyboardist with Brian Eno, even participating in the recording of Viva la Vida or Death and All His Friends, by Coldplay, arrives with his fourth studio album eager to make his name known internationally.
The British producer and songwriter decided to return to the origins in Immunity, using analog synthesizers, ambient sounds and percussion instruments made from home appliances to give depth and mysticism that takes you from the first to the last song on a trip, very different to the vast majority of electronic productions we hear today. It's as if Hopkins would finally want us to understand his work in a much more personal level.
On songs like Immunity and Sun Harmonics, we can appreciate the perfect blend of skills as a producer of Hopkins, and his more artistic as keyboard player, wrapping in marine atmospheres and organic sounds that give it a very unique touch and fill us with melancholic emotions. On Open Eye Signal, Hopkins transports us to epic dance floors where I imagine myself at a Full Moon Party in Thailand dancing nonstop, whose video perfectly demonstrates the essence of the album, mixing transitions of time and space and an incredibly captivating but at the same time disconcerting photography. Enjoy the video.
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La primera vez que escuché Immunity fue en septiembre, en una carretera boscosa, de camino a Valle de Bravo. El disco fue descrito por un amigo como “electrónica elegante”, lo cual me pareció totalmente acertado. Jon Hopkins, que anteriormente había trabajado como tecladista para Brian Eno, incluso participando en la grabación del Viva la Vida or Death and All His Friends, de Coldplay, llega con su cuarto álbum de estudio con muchas ganas de hacerse un nombre a nivel internacional.
El productor y compositor británico opta en Immunity por regresar a los orígenes, utilizando sintetizadores análogos, sonidos ambientales y percusiones hechas con instrumentos caseros para darle una profundidad y una mística que te lleva desde la primera hasta la última canción en un viaje muy alejado a la gran mayoría de producciones electrónicas que escuchamos hoy en día. Es como si Hopkins quisiera que finalmente entendiéramos su trabajo en un nivel mucho más personal.
En canciones como Immunity y Sun Harmonics, podemos apreciar la mezcla perfecta entre las habilidades como productor de Hopkins, y su lado más artístico como tecladista, envolviéndonos en atmósferas marinas y sonidos orgánicos que le dan un toque muy único y nos llenan de emociones melancólicas. Por otro lado en Open Eye Signal, nos transporta a épicas pistas de baile en donde me imagino en una Full Moon Party Tailandesa bailando sin parar, cuyo video demuestra perfectamente la esencia del disco, mezclando transiciones de tiempo y espacio y una fotografía increíblemente cautivadora y al mismo tiempo desconcertante. Aquí se los dejo.
Phosphorescent - Muchacho
Once again, one of our wonderful Mexican villages inspired a great artist to create something amazing. This time it was Tulum, in the Mexican Caribbean, where Matthew Huock, the only member of Phosphorescent, found inspiration in 2010 after finishing the tour to promote his third album. At that time, Huock was totally exhausted, both physically and mentally, to the point of considering abandoning his musical project. However, the charm of the Mexican Caribbean made him think about his life, past relationships, and inspired him to compose Muchacho.
Muchacho is an album full of different musical genres, ranging from folk, country, rock n roll, including electronic beats and synthesizers, which gives us an idea of the quality and versatility of Phosphorescent. The lyrics range from banal topics partying until our bodies say no more, deeper, religious topics, and the typical sad ballads that come after a breakout, Huock accepting these songs like a cliché of a wounded artist.
Despite having many instrument that support perfectly each of the songs, the melodies of the voice and emotion that they convey are always the centre of attention, where everything else is secondary. Song for Zula, one of the most melancholic songs is probably the one that best transmits what Huock tried to say with Muchacho.
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Nuevamente, alguno de nuestros maravillosos pueblos mexicanos inspiró a un gran artista a crear algo increíble. En esta ocasión fue Tulum, a donde Matthew Huock, el único integrante de Phosphorescent, se trasladó en 2010 después de haber terminado la gira para promocionar su tercer álbum. En ese entonces, Huock estaba totalmente agotado, tanto física como mentalmente, hasta el punto de considerar abandonar su proyecto musical. Sin embargo, los encantos del caribe mexicano lo hicieron meditar acerca de su vida, sus relaciones pasadas, y lo inspiraron para componer Muchacho.
Muchacho es un disco repleto de diferentes géneros musicales, que van desde el folk, country, rock n roll, incluyendo beats electrónicos y sintetizadores, lo cual nos da una idea de la gran calidad y versatilidad de Phosphorescent. Las letras de las canciones oscilan entre banalidades como irse de fiesta hasta que el cuerpo no aguante más, temas más profundos y religiosos, y las clásicas baladas tristes que surgen a raíz de una trágica relación fallida, aceptando las canciones como un cliché de un artista herido.
A pesar de contar con muchos instrumentos que apoyan a la perfección cada una de las canciones del disco, las melodías de voz y la emoción que ellas transmiten son siempre el centro de atención, donde todo lo demás es secundario. Song for Zula, una de las canciones más melancólicas es probablemente la que mejor transmite lo que Huock quiso decir con Muchacho.
Blood Orange - Cupid Deluxe
Blood Orange, the solo project of producer, writer of comics and multifaceted musician Devonte Hynes totally took me by surprise when I found it while I listened to a radio session in Spotify. I had previously heard of Hynes as Lightspeed Champion, his previous solo project.
Cupid Deluxe, the second album by Blood Orange is presented as a tribute to all those teens that live the underground LGBT (lesbian, gay, bisexual and transgender) movement in New York, who year after suffer abuse and societal prejudice as well as their own family’s, and even their own. In Cupid Deluxe, Hynes mixes guitars and bass lines of funk, voices that could fit easily into any R&B album, "chillwave" keyboards and electronic beats, making it very fun and easy to listen but also with profound messages, for each song is written from the perspective of a different character from the LGBT community.
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Blood Orange, el proyecto solista del productor, escritor de comics, y músico multifacético Devonté Hynes me tomó totalmente por sorpresa cuando escuchaba una sesión de radio en Spotify. Anteriormente había escuchado a Hynes como Lightspeed Champion, su anterior proyecto solista.
Cupid Deluxe, el segundo álbum de Blood Orange se presenta como un tributo a todos aquellos adolescentes de la comunidad LGBT underground (lesbianas, gays, bisexuales y transgénero) de Nueva York, que año con año sufren tanto por los prejuicios y abusos de la sociedad, como de sus propias familias, e incluso los propios. En Cupid Deluxe, Hynes mezcla guitarras y líneas de bajo de funk, voces que podrían encajar perfectamente en un disco de R&B, teclados “chillwave” y beats electrónicos, logrando hacer que sea un disco muy divertido pero al mismo tiempo con mensajes profundos, pues cada una de las canciones está escrita desde la perspectiva de un personaje de la comunidad LGBT diferente.
Kurt Vile - Wakin on a Pretty Daze
Wakin on a Pretty Daze is an album that has the usual tranquillity and passivity of Kurt Vile, who takes time for everything, and is not afraid to make those almost endangered 10 minutes long songs, packed with guitar solos and voices that could well be of a drunken man with few variations and tone changes. However, the fifth album by Kurt Vile is an example of how someone can make a great work of art without wanting to please the general public and only by making things his own way.
As he usually does, his music has few arrangements and are difficult to distinguish in their songs unless you carefully listen to them again and again. But it's those little details that make Kurt Vile a growing pleasure each time you listen to it.
They say the Smoke Ring for My Halo, his 2011 album was the moment when Vile began to move away from "home garage rock" he played and started writing more introspective songs that could relate to the Tom Pettys and Bruce Springsteens, the working-class rock heroes. And on Wakin on a Pretty Daze we witness that introspection and transformation of ideas in people, especially after Vile states that "in this day and age, 'punk ideals' are totally irrelevant " after being criticized for profiting from "Baby's Arms" appearing on a Bank of America TV ad, arguing that it is better to ensure a betterfuture for her daughter than to worry about the eternal capitalist arguments.
In the end, Kurt Vile gave us excellent album, I recommend you listen to this album time and time again, it continues getting better.
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Wakin on a Pretty Daze es un disco que cuenta con la habitual tranquilidad y pasividad de Kurt Vile, el cual se toma tiempo para todo, y no tiene miedo a hacer esas canciones en peligro de extinción de casi 10 minutos con largos solos de guitarra y voces que bien podrían ser de un hombre ebrio con pocas variaciones y tonalidades. Sin embargo, el quinto disco de Kurt Vile es un ejemplo de cómo alguien puede hacer una gran obra de arte sin necesidad de estar complaciendo al público general.
Como ya nos tiene acostumbrados, la música de Kurt Vile tiene pocos arreglos y es difícil distinguirlos en sus canciones si no se escucha una y otra vez, con mucha atención. Pero son esos pequeños detalles los que van haciendo que Kurt Vile se disfrute cada vez más.
Dicen que el Smoke Ring for My Halo, disco de 2011 fue el momento en que Vile comenzó a alejarse del “rock casero” que tocaba y empezó a componer canciones más introspectivas, que podrían relacionarse a los Tom Pettys y Bruce Springsteens, héroes del rock de la clase trabajadora. Y en Wakin on a Pretty Daze somos testigos de esa introspección y de la transformación de las ideas en las personas después de que Vile declara que “en este día y era, los ‘ideales punk’ son totalmente irrelevantes”, al ser criticado por otorgar los derechos de “Baby’s Arms” para un anuncio de Bank of America, argumentando que es mejor darle un mejor futuro a su hija que preocuparse por las eternas discusiones capitalistas.
Al final, Kurt Vile nos dio un excelente disco, que les recomiendo que escuchen hasta el cansancio, cada vez se pone mejor.
Darkside - Psychic
I have to accept that I have never heard of Darkside before November and that I do not consider myself a hardcore fan of Nicolas Jaar, as there are many in Mexico, but Psychic blew my mind. Psychic, which would seem to be an academic work of an experimental musician quickly became one of my favorite albums of 2013.
Psychic begins with "Golden Arrow", which more than the product of a DJ with a guitarist , sounds more like a tribute to space-rock, that during the decade of the 70s, many psychedelic and progressive bands in England, exported to the world. But then come the electronic explosions and slow beats, falsettos by Dave Harrington that surround you in something I'm not exactly sure what it is, but you are certainly carried from one song to another without feeling you're listening to a band of 2013.
The album could be divided into two parts , the first is much more experimental and cosmic, without being unstructured environmental sounds and harmony, ending with Paper Trails, a slow song filled with "erotic" energy and bluesy guitars that announce the end of the "A side". The second part gives us a stronger idea of what Nicolas Jaar is used to making, moderately more danceable rhythms accompanied by Harrington’s guitars are reminiscent of a futuristic city disco music from Mars or the Moon.
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Tengo que aceptar que antes de noviembre no había escuchado hablar de Darkside y no me considero un fan aguerrido de Nicolas Jaar, como los hay muchos en México, pero el disco Psychic me voló la cabeza. Psychic, que parecería ser más una obra académica de algún músico experimental se convirtió rápidamente en uno de mis discos favoritos del 2013.
Psychic empieza con “Golden Arrow”, que más que el producto de un DJ con un guitarrista, suena más a un tributo al space-rock que durante la década de los 70s muchas bandas psicodélicas y progresivas exportaron al mundo desde Inglaterra. Pero luego vienen las explosiones electrónicas y los beats lentos, falsetes de Dave Harrington que te envuelven en algo que no estoy seguro qué sea, pero que indudablemente te van llevando de una canción a otra sin sentir que estás escuchando a una banda de 2013.
El álbum podría dividirse en dos partes, la primera se escucha mucho más experimental y espacial, sin caer en sonidos ambientales sin estructura y armonía, terminando con Paper Trails, una canción lenta cargada de una energía “erótica” y unas guitarras blueseras que señalan el final del “lado A”. La segunda parte, nos da una probada más fuerte de lo que Nicolas Jaar está acostumbrado a hacer, ritmos medianamente más bailables que acompañados de las guitarras de Harrington nos hacen pensar en música disco espacial proveniente de alguna ciudad futurista en Marte o la Luna.
Arcade Fire - Reflektor
Quoting James Murphy "Reflector is a triumph, not a victory lap, the band never sounds quite content for that." Like all Arcade Fire albums, Reflector has some anti-religious tone that seeks to address issues of suburban isolation due to development in large cities. However, Reflektor is much deeper, questioning the greatness of rock in our time, speaking in an ironic tone about what being a rock star is or making a great rock album in 2013 represents.
On their fourth album, Arcade Fire was inspired by the connection they had with the people in Haiti, a place visited for the first time on their last tour, where they realized that it was not necessary for people to know the great influences of rock to have a musical and rhythmic connection with them. That is why Reflektor is an album much more directed to our feet and bodies, than their previous, which were intended more for the mind and spirit.
In Reflektor, the band reinvented themselves, mixing reggae and electronic beats with rala, from the Caribbean, its classic pianos and very slightly distorted guitars, managing to do what few bands can, to explore new genres without losing its essence. Reflektor might seem an album without epic songs that fill concert arenas, like their previous albums, however Arcade Fire managed to surprise their fans writing and composing something new, without being tied to a formula and that is greatly appreciated.
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Citando a James Murphy “Reflektor es un triunfo, pero no una vuelta de la victoria, la banda nunca suena bastante convencida para eso.” Como todos los discos de Arcade Fire, Reflektor tiene cierta tonalidad anti religiosa que trata de abordar temas de aislamiento suburbano, debido al desarrollo en las grandes urbes. Sin embargo, Reflektor es mucho más profundo, cuestionando la grandeza del rock en nuestros tiempos, hablando en un tono irónico acerca de lo que es ser una gran estrella de rock o hacer un gran disco de rock en el 2013.
En su cuarto álbum, Arcade Fire se inspiró en la conexión que tuvo con la gente en Haiti, lugar que visitaron por primera vez en su última gira, y donde se dieron cuenta que no era necesario que la gente conociera a las grandes influencias del rock para que tuvieran una conexión musical y rítmica con ellos. Es por eso que Reflektor es un álbum mucho más dirigido al cuerpo y al baile, que a la mente y el espíritu, como pudieron haber sido considerados los anteriores.
En Reflektor, la banda se reinventa, mezcla beats electrónicos con reggae y rala, del Caribe, sus clásicos pianos y guitarras muy ligeramente distorsionadas, logrando hacer lo que pocas bandas logran, explorar nuevos géneros sin perder su esencia, y lo más importante, el piso. Reflektor podría parecer un disco sin canciones épicas que llenan estadios, como sus discos anteriores, sin embargo logran una vez más sorprender a sus fans escribiendo y componiendo algo nuevo, sin estar amarrados a una fórmula y eso se agradece.
Disclosure - Settle
Little I knew about Disclosure without having realized that any party I went, every time I went to a club, the songs that made me dance the most and that really got the parties started, where Disclosure. In recent years, the great boom of electronic music has brought us many promising artists that in a short time have become leaders in their genres, I think Disclosure can be added to this list.
Disclosure fuses house, bass, garage and even a bit of dubstep with melodies that sound like 90s pop, which is surprising given that Howard and Guy Lawrence brothers of 18 and 21 years old respectively, did not live in that decade nor listen directly to their influences. It is also true that we live in an age where any band, artist or song is just a few clicks away, there is no doubt that these promising children will make us dance for a long while.
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Poco conocía de Disclosure sin haberme dado cuenta que a cualquier fiesta que iba, cualquier antro que visitaba, las canciones que más prendían y más ponían a bailar a la gente, eran de este excelente dúo de hermanos británicos. En años recientes, el gran boom de la música electrónica nos ha traído a muchos artistas muy prometedores que en poco tiempo se han convertido en líderes de sus géneros, creo que Disclosure se puede ir sumando a esta lista.
Disclosure fusiona el house, bass, garage y hasta un poco de dubstep con melodías que suenan a pop noventero, lo cual es sorprendente, dado que los hermanos Howard y Guy Lawrence de 18 y 21 años de edad respectivamente, no vivieron en aquella década ni pudieron conocer directamente a sus influencias. Es cierto también que vivimos en una época en donde cualquier banda, artista o canción está a tan sólo unos clicks de distancia, de lo que no hay duda, es que éstos niños nos pondrán a bailar durante un buen rato.
The Besnard Lakes - Until In Excess, Imperceptible UFO
I once read that the albums by The Besnard Lakes were like listening to an intergalactic church choir singing inside your head, a bit exaggerated, but it vastly describes the amount of sound that four musicians can do. The band, formed in 2003 by Jace Lasek and partner Olga Goreas in Montreal, Canada, has been characterized by making conceptual albums since its inception, they have even been compared to the production and thoroughness of their albums with the level of “annoying” detail Brian Wilson and Roger Waters used in Pet Sounds and Dark Side of the Moon.
Until in Excess is to date the most elaborate and elegant album by The Besnard Lakes, mixing synths, organs, loud guitars, psychedelic bass lines and many many arrangements, the band once again manages to revive, with certain modernity, the extremely complex both to compose and to listen progressive rock. For many other bands, an album like this would be a pretentious attempt to make a "art rock" album that would result in utter failure, but for The Besnard Lakes, their fourth album is another example of their creativity and that we could easily try to make one 2001: Imperceptible UFO, emulating the Dark Side of Oz, and feel that the album was made for the movie.
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Alguna vez leí que los álbumes de The Besnard Lakes eran como escuchar un coro de iglesia intergaláctica en tu cabeza, un poco exagerado, pero describe muy bien la cantidad de sonidos que 4 músicos pueden hacer. La banda, formada en 2003 por la pareja Jace Lasek y Olga Goreas en Montreal, Canadá, se ha caracterizado por hacer álbumes conceptuales desde sus inicios, incluso han comparado la producción y meticulosidad de sus álbumes con el nivel de detalle “fastidioso” que Brian Wilson y Roger Waters emplearon en Pet Sounds y Dark Side of the Moon.
Until in Excess es a la fecha el álbum más elaborado y elegante de The Besnard Lakes, mezclando sintetizadores, órganos, ruidosas guitarras, psicodélicas líneas de bajo y muchos muchos arreglos, la banda logra una vez más revivir, con cierta modernidad, el tan complejo tanto para elaborar como para escuchar, rock progresivo. Para muchas otras bandas, un álbum como éste, sería un pretencioso intento de hacer “rock artístico” que resultaría en un rotundo fracaso, pero para The Besnard Lakes, su cuarto álbum es una muestra más de su creatividad y de que fácilmente podríamos intentar hacer un 2001: Imperceptible UFO, al puro estilo Dark Side of Oz, y sentir que el disco se hizo para la película.
Jagwar Ma - Howlin
Melodies of a classic rock band combined with a computer and lots of dancing is best I could describe Jagwar Ma. The first time I listened to them was on the soundtrack of a video game, almost a year before Howlin came to light and from that moment I began to move my legs and head to their songs.
Last June, the album was released, I was left completely speechless, I did not understand how three band members could fill many spaces with such psychedelic tunes while making me dance with such excitement. The Australian band was formed in 2011, years before Jono Ma and Gabriel Winterfeld met in Sydney and played in several bands together, none of them like Jagwar Ma.
Strongly linked to Madchester, the British movement of which bands like New Order, the Happy Mondays and the Stone Roses were considered pioneers, Jagwar Ma knows perfectly how to combine electronic beats, synthesizers and samplers, guitars, bass with voice melodies that could have been successful 40 years ago.
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Melodías de una banda de rock clásico combinada con una computadora y mucho baile es como mejor podría describir a Jagwar Ma. La primera vez que los escuché fue en el soundtrack de un videojuego, casi un año antes de que Howlin saliera a la luz, y desde ese momento me pusieron a mover las piernas y la cabeza.
En junio que el álbum fue lanzado, me dejaron completamente boquiabiertos, no entendía como tres integrantes podían llenar tantos espacios con melodías tan psicodélicas y al mismo tiempo me pusieran bailar con tanta emoción. La banda australiana se formó en 2011, años antes Jono Ma y Gabriel Winterfeld se conocieron en Sydney y tocaron en varias bandas juntos, ninguna como Jagwar Ma.
Fuertemente ligados a Madchester, aquel movimiento británico del cual fueron partícipes New Order, los Happy Mondays y los Stone Roses, entre otros, Jagwar Ma sabe combinar perfectamente los beats electrónicos, sintetizadores y sampleos, con guitarras, bajos y melodías de voz que pudieron haber sido exitosos 40 años atrás.
Guess we have found a way to trade musical perspective !!!
ReplyDeleteThanks for visiting Mario! Glad we share interests!
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